The Weight We Carry: Großformatige kintsugi-inspirierte Originalkunst über das, was wir tragen
Wir tragen erstaunlich viel, ohne dass andere etwas davon sehen.
Verantwortung. Erwartungen. Verlust. Erfahrungen, über die wir längst nicht mehr sprechen. Rollen, in die wir irgendwann hineingewachsen sind. Entscheidungen, die nach außen selbstverständlich aussehen und innerlich trotzdem ihren Preis hatten.
Wir funktionieren.
Oft ziemlich gut sogar.
Und genau deshalb bleibt vieles unsichtbar.
Aus dieser Beobachtung entstand The Weight We Carry.
Die Serie besteht aus sieben kintsugi-inspirierten Mixed-Media-Originalen und folgt einer Entwicklung von Last über Bewusstwerden, Schutz, Widerstand und Anpassungsdruck bis zu Balance und Transzendenz.
Mich interessiert dabei weniger die Vorstellung eines Menschen, der eine Krise überwindet und anschließend einfach stärker weitergeht.
Mich interessiert, was wir mit uns herumtragen. Was davon zu unserer Architektur wird. Was uns schützt. Was uns irgendwann begrenzt. Und was geschieht, wenn wir beginnen, die Beziehung zu dieser Last zu verändern.
Genau deshalb verändert sich innerhalb der Serie auch das Gold.
Es besitzt keine festgelegte Bedeutung.
Es kann schwer sein.
Es kann einengen.
Es kann schützen.
Es kann Widerstand erzeugen.
Und irgendwann kann daraus eine Struktur werden, die weiterhin sichtbar ist, ohne jede Bewegung zu bestimmen.
Warum ich „The Weight We Carry“ gemalt habe
Diese Serie hat für mich eine persönliche Ebene.
Sie ist auch aus meiner eigenen Auseinandersetzung mit dem entstanden, was ich trage.
Es gab Erfahrungen in meinem Leben, nach denen sich Fragen verändert haben. Fragen danach, wer ich eigentlich bin. Was mir wirklich wichtig ist. Welche Entscheidungen tatsächlich meine sind. Wie viel äußere Bestätigung ich brauche und was übrig bleibt, sobald diese Bestätigung ausbleibt.
Kunst wurde für mich zu einer Möglichkeit, solchen Fragen eine Form zu geben.
Nicht als Illustration meiner Biografie.
Ich will meine Geschichte nicht eins zu eins auf Leinwand erzählen.
Mir geht es vielmehr um den Punkt, an dem eine persönliche Erfahrung etwas Universelleres berührt.
Denn wir alle tragen Dinge, über die andere wenig oder gar nichts wissen.
Was wir tragen und was wir zeigen
Neben dieser persönlichen Ebene besitzt The Weight We Carry deshalb auch eine gesellschaftliche.
Wir leben in einer Welt, in der Funktionieren ziemlich gut „belohnt"wird.
Wir zeigen Kompetenz.
Sicherheit.
Erfolg.
Kontrolle.
Wir lernen schon sehr früh, welche Version unserer selbst in welchem Umfeld funktioniert. Im Beruf vielleicht eine andere als innerhalb der Familie. In Beziehungen eine andere als in sozialen Medien. In einem Raum wollen wir souverän wirken, im nächsten unkompliziert, belastbar oder angepasst.
Irgendwann können diese Rollen ziemlich schwer werden.
Mich beschäftigt, wie viele Menschen täglich Dinge tragen, die von außen kaum sichtbar sind, während sie gleichzeitig den Eindruck vermitteln sollen, alles sei völlig in Ordnung.
Alles ist gut. Oder doch nicht?
Dazu gehören Erwartungen anderer ebenso wie die eigenen.
Wie erfolgreich sollte ich sein?
Wie belastbar?
Wie attraktiv?
Wie unabhängig?
Wie fürsorglich?
Wie viel darf ich brauchen?
Wie viel darf ich zeigen?
Und welche Teile von mir passen gerade nicht in das Bild, das erwartet wird?
The Weight We Carry beschäftigt sich auch mit dieser Spannung.
Mit den Masken, die wir tragen.
Mit dem Preis von Anpassung.
Und mit der Frage, wie viel von uns selbst übrig bleibt, wenn äußere Erwartungen über längere Zeit lauter werden als die eigene Stimme. Und sie können manchmal verdammt laut sein.
Warum die Figuren Frauen sind
Die weiblichen Körper dieser Serie sind bewusst gewählt.
Meine Perspektive ist eine weibliche. Meine eigenen Erfahrungen fließen in diese Arbeiten ein, genauso wie meine Beobachtung, wie Frauen in meinem Umfeld Verantwortung, Schmerz, Erwartungen und Veränderung erleben.
Ich sehe Frauen, die erstaunlich viel auffangen.
Die funktionieren, organisieren, Verantwortung übernehmen und dabei Dinge mit sich selbst ausmachen, von denen ihr Umfeld manchmal kaum etwas mitbekommt.
Ich sehe gleichzeitig Frauen, die irgendwann anfangen, darüber zu sprechen.
Über Überforderung.
Über Verletzlichkeit.
Über Erfahrungen, die sie verändert haben.
Dazu zählen Grenzen.
Und auch Dinge, die lange verschwiegen wurden.
Für mich besitzt genau diese zugelassene Sichtbarkeit eine enorme Kraft.
Verletzlichkeit öffentlich oder auch nur gegenüber einem anderen Menschen zuzulassen, braucht bewusstes Zulassen. Das ist für mich viel mehr als Mut.
Die weiblichen Figuren in The Weight We Carry stehen deshalb nicht für eine idealisierte Vorstellung von Stärke.
Sie dürfen schwer tragen.
Sich schützen.
Zusammensinken.
Sie dürfen wütend werden.
Raum beanspruchen.
Und sie dürfen ihre Geschichte sichtbar mit sich führen.
Die Serie nimmt ganz bewusst diese weibliche Perspektive ein.
Sieben Werke statt eines einzigen Moments
Schon bei der Entwicklung der Serie war für mich klar, dass ein einzelnes Bild nicht ausreichen würde.
Last ist kein Zustand mit einer sauberen Lösung am Ende.
Auch Veränderung funktioniert selten geradlinig.
Wir erkennen etwas und fallen trotzdem in alte Muster zurück. Wir lernen Grenzen und überschreiten sie später selbst wieder. Wir schützen uns und merken irgendwann, dass genau dieser Schutz inzwischen zu eng geworden ist.
Deshalb besteht The Weight We Carry aus sieben Stadien.
Sie sind keine psychologische Theorie und keine Anleitung dafür, wie ein Mensch eine Krise zu verarbeiten hat.
Sie bilden meine künstlerische Dramaturgie.
Jedes Stadium verändert Körperhaltung, Ausschnitt, Materialität und Goldstruktur.
Die Serie erzählt dadurch ihre Entwicklung nicht nur über Inhalt.
Sie erzählt sie über Form.
Warum der menschliche Körper zum Schauplatz der Serie wird
Kintsugi arbeitet ursprünglich mit einem Objekt.
Mich interessiert jedoch der Mensch.
Also stellte sich die Frage: Wo sitzt eine Last, die niemand sehen kann?
Natürlich gibt es darauf keine anatomische Antwort.
Bildnerisch sind Rücken, Schultern und Nacken für mich trotzdem ausgesprochen stark.
Wir sprechen davon, Verantwortung auf den Schultern zu tragen.
Von einer Last auf dem Rücken.
Von etwas, das uns die Luft abschnürt.
Von einem Druck, der uns niederdrückt.
Diese sprachlichen Bilder sind längst körperlich.
Ich übersetze sie in eine sichtbare Form.
Der Rücken als Fläche für das Unsichtbare
Der Rücken taucht innerhalb dieser Serie immer wieder auf.
Er kann tragen.
Er kann schützen.
Und er ist für uns selbst nur eingeschränkt sichtbar.
Genau deshalb ist er für mich extrem spannend.
Vieles von dem, was uns prägt, erkennen andere vielleicht früher als wir selbst. Körperhaltung verändert sich. Spannung wird sichtbar. Rückzug. Müdigkeit. Widerstand.
Der Rücken bietet mir dafür eine enorme Fläche.
Ich kann Gold über die Wirbelsäule führen, an Schulterblättern verdichten oder entlang der Flanken ziehen.
Die Struktur bekommt dadurch fast etwas Anatomisches, obwohl sie natürlich keiner realen Anatomie folgt.
Körperhaltung erzählt vor dem Gesicht
Ich arbeite in dieser Serie bewusst häufig ohne direkten Blickkontakt.
Ein Gesicht liefert sehr schnell eine emotionale Information.
Unser Körper lässt mehr offen.
Zum Beispiel ein geneigter Kopf.
Oder eine hochgezogene Schulter.
Der gekrümmte Rücken.
Ein Körper, der sich selbst umfasst.
Eine Figur, die beginnt, sich aufzurichten.
Diese Bewegungen erzählen, ohne eine eindeutige Emotion vorzuschreiben.
Genau dieser Raum ist mir wichtig.
Kintsugi als künstlerische Übersetzung
Meine Arbeiten sind kintsugi-inspiriert.
Ich repariere keine zerbrochene Keramik und behaupte auch nicht, traditionelles japanisches Kintsugi zu praktizieren.
Für mich ist das bildnerische Prinzip der sichtbaren Veränderung interessant.
Beim traditionellen Kintsugi bleibt eine Reparatur erkennbar. Die Geschichte eines Objekts wird Teil seiner späteren Erscheinung.
Für meine figurative Mixed-Media-Kunst übersetze ich diesen Gedanken auf den menschlichen Körper.
Die Goldstruktur markiert dort keine tatsächliche materielle Bruchstelle.
Sie macht etwas sichtbar, das normalerweise keine Oberfläche besitzt.
Erfahrung.
Last.
Schutz.
Druck.
Veränderung.
Wer sich ausführlicher mit dieser Übertragung beschäftigen möchte, findet sie in meinem Artikel „Kintsugi & moderne Porträts: Die Kunst, den Bruch zu ehren“. Die Verbindung zwischen Kintsugi und Resilienz und auch die Grenzen dieser Metapher habe ich außerdem in „Kintsugi als Symbol für Resilienz: Warum die Metapher so stark ist und mehr Differenzierung verdient“ genauer betrachtet.
Hier, bei The Weight We Carry, geht es mir vor allem darum, was daraus auf der Leinwand entsteht.
Von schwerem Relief zu filigranem Gold
Material ist in dieser Serie kein nachträglicher Effekt.
Es gehört zur Erzählung.
Die ersten Arbeiten besitzen schwere, teilweise grobe Strukturen. Gold liegt nicht einfach als dekorative Linie auf der Oberfläche. Es bekommt Masse.
Ich wollte, dass Last tatsächlich Gewicht besitzt.
Natürlich wiegt sie für die Betrachtenden nicht körperlich auf den Schultern.
Aber sie lässt sich sehen.
Die Oberfläche wirft Schatten. Kanten brechen Licht. Gold erscheint je nach Blickwinkel heller oder dunkler.
Das Werk verändert sich, sobald sich die Position vor der Leinwand verändert.
Gold ist nicht automatisch Heilung
Gerade bei kintsugi-inspirierter Kunst liegt die Versuchung nahe, Gold sofort mit Heilung gleichzusetzen.
Für The Weight We Carry ist dem nicht so.
Das Gold verändert seine Funktion im Verlauf der Serie.
Am Anfang kann es Last sein.
Später wird daraus eine Fessel.
Dann Schutz.
Widerstand.
Gesellschaftlicher Druck.
Erst mit der weiteren Entwicklung wird die Struktur feiner und stärker integriert.
Gold bezeichnet deshalb bei mir keinen automatisch positiven Zustand.
Es zeigt, welchen Platz eine Erfahrung zu einem bestimmten Zeitpunkt einnimmt.
Ein Original zeigt diese Entwicklung anders als ein Bildschirm
Gerade durch die strukturierten Oberflächen spielt die physische Präsenz der Originale eine wichtige Rolle.
Auf einem Foto lässt sich die Komposition erfassen.
Ein Relief funktioniert anders.
Je näher du an ein Werk herantrittst, desto stärker lösen sich einzelne Schichten aus der Gesamtfigur heraus. Goldkanten werfen Schatten. Unebenheiten werden sichtbar. Die Oberfläche reagiert auf wechselndes Licht.
Aus größerer Entfernung dominiert dagegen der Körper.
Genau dieses Wechselspiel zwischen Figur und Material gehört für mich zur Serie.
Die Arbeiten sollen im Raum nicht einfach nur betrachtet werden.
Sie sollen eine körperliche Präsenz besitzen.
Die sieben Stadien von „The Weight We Carry“
Die sieben Werke bilden einen gemeinsamen Zyklus.
Jedes Stadium besitzt dabei seine eigene Atmosphäre und seinen eigenen inneren Konflikt.
Die ersten fünf Originale sind bereits entstanden. Stadium sechs und sieben befinden sich noch in der Entwicklung und besitzen deshalb derzeit bewusst noch keine endgültigen Werktitel.
Stadium 1: Golden Burden
Golden Burden ist der Ursprung der Serie.
Eine weibliche Rückenfigur steht nahezu frontal mit dem Rücken zu uns. Entlang des Körpers verdichten sich schwere goldene Strukturen.
Das erste Gefühl, das dieses Werk für mich brauchte, war Gewicht.
Noch kein Aufbruch.
Noch keine sichtbare Gegenbewegung.
Die Figur trägt.
Mich hat dabei die Ambivalenz beschäftigt, dass eine Last durchaus wertvoll sein kann.
Verantwortung kann schwer sein und trotzdem aus Liebe entstehen.
Eine Erfahrung kann schmerzen und später Wissen enthalten.
Etwas kann gleichzeitig kostbar und belastend sein.
Deshalb Gold.
Ich wollte der Last keinen grauen Stein auf den Rücken legen. Das wäre eindeutig gewesen.
Gold macht die Sache komplexer.
Es besitzt Wert und Schwere gleichzeitig.
Auch formal war Golden Burden für die weitere Serie entscheidend. Rücken, Dunkelheit, körperliche Spannung und Goldrelief bilden hier erstmals die visuelle Grammatik, aus der sich die folgenden Stadien entwickeln.
Das 60 × 80 cm große Mixed-Media-Original wurde zuletzt in der Neon Bazaar Art Gallery ausgestellt.
Stadium 2: The Mind’s Gilded Tether
Im zweiten Werk wandert die Last.
Sie sitzt nicht mehr ausschließlich auf dem Rücken.
Sie erreicht den Kopf.
The Mind’s Gilded Tether entstand aus der Frage, was passiert, wenn eine äußere oder körperlich empfundene Last längst in unserem Denken angekommen ist.
Wenn wir Situationen immer wieder durchgehen.
Wenn Erwartungen Teil unserer inneren Stimme werden.
Wenn etwas uns so sehr beschäftigt, obwohl gerade niemand da ist, der diesen Druck tatsächlich ausübt.
Der geneigte Kopf war deshalb meine Wahl.
Die Figur sollte die Last nicht lediglich tragen. Ihre gesamte Haltung sollte auf sie reagieren.
Besonders wichtig ist für mich die Goldstruktur am Hals.
Sie verbindet Kopf und Körper wie eine Fessel und erzeugt gleichzeitig Schutz und Druck.
Diese Ambivalenz zieht sich durch die gesamte Serie.
Wir entwickeln Mechanismen, weil wir sie brauchen.
Und später müssen wir manchmal prüfen, ob wir sie noch brauchen.
Das Werk misst 60 × 80 cm und setzt innerhalb der Serie einen stärkeren Fokus auf Hals, Schultern und geistige Spannung.
Stadium 3: Fortress Of Light
Nach Gewicht und Bewusstwerden entsteht Schutz.
Fortress Of Light war für mich nie als sanfter, romantischer Schutzraum gedacht.
Ich wollte eine Festung.
Die Figur umfasst ihren eigenen Körper. Gleichzeitig breiten sich die Goldstrukturen über Rücken und Flanken aus. Sie wirken fast wie ein Exoskelett. Diese Idee findet sich bereits in meiner Werkbeschreibung und beschreibt ziemlich genau, was ich erreichen wollte.
Schutz verändert hier die Architektur des Körpers.
Das ist für mich deshalb relevant, weil Selbstschutz gern ausschließlich als Grenze nach außen verstanden wird.
FÜr mich war entscheidend, was er sich im Inneren verändert.
Was passiert, wenn wir lange wachsam sein mussten?
Welche Strukturen bauen wir auf?
Welche Teile davon stabilisieren uns?
Fortress Of Light wertet Schutz deshalb nicht vorschnell.
Die Figur muss in diesem Moment noch nichts überwinden.
Sie darf sich sichern.
Das 60 × 80 cm große Original gehört damit zu den ruhigeren Werken der Serie, obwohl seine Oberfläche massiv bleibt.
Stadium 4: The Radiant Uprising
Mit The Radiant Uprising wollte ich Bewegung.
Endlich.
Nach drei Stadien, in denen Gewicht, Bewusstwerden und Schutz sehr stark an den Körper gebunden bleiben, verändert sich die Richtung.
Das Gold bricht nach außen.
Die Komposition wird dynamischer.
Die Figur beginnt, Raum zu beanspruchen.
Für mich steckt in diesem Werk Wut.
Nicht ausschließlich aggressive Wut.
Auch jene sehr klare Form von Wut, die entstehen kann, wenn etwas lange genug zu eng war. Und auch die Wut auf einen selbst.
Der Moment, in dem ein inneres „Nein“ endlich genug Kraft bekommt, um sichtbar zu werden.
Deshalb wollte ich auch keine kontrollierte, hübsche Goldstruktur.
Die Linien brauchen Energie.
Sie brauchen Richtung.
Sie dürfen explodieren.
Das 60 × 80 cm große Mixed-Media-Original bildet damit einen deutlichen visuellen Wendepunkt innerhalb der bisherigen Serie. Auch auf der aktuellen Werkseite ist diese Bewegung des Goldes aus dem Körper heraus ein zentrales Motiv.
Stadium 5: The Chokehold Of Conformity
Und dann wird es wieder eng.
Ganz bewusst.
Ich wollte nach The Radiant Uprising keinen komfortablen Weg direkt in Richtung Befreiung malen.
So funktioniert Veränderung für mich nicht.
The Chokehold Of Conformity beschäftigt sich mit gesellschaftlichem Erwartungsdruck und der Entfremdung von der eigenen Identität.
Was wird aus einem Menschen, wenn er über lange Zeit versucht, in Bilder zu passen, die andere entworfen haben?
Wie viele Entscheidungen treffen wir tatsächlich selbst?
Wie oft nennen wir Anpassung Vernunft, weil es angenehmer klingt?
Hier tauchen die Masken, die hinter der gesamten Serie stehen, besonders deutlich auf.
Dafür musste auch die Komposition enger werden.
Der Ausschnitt rückt nah an Nacken und Haaransatz. Das Gold verdichtet sich zu einer massiven Struktur. Der Körper bekommt weniger Raum.
Zum ersten Mal wechselt die Serie außerdem vom 60 × 80 cm Hochformat auf ein 60 × 60 cm großes Quadrat.
Dieser Formatwechsel ist für mich enorm wichitg gewesen.
Das Bild zieht sich zusammen.
Die Umgebung verschwindet.
Der Druck konzentriert sich.
Und genau deshalb steht dieses Werk trotz seiner Position nach dem Aufbruch von The Radiant Uprising wieder für Enge.
Entwicklung verläuft nicht sauber nach oben.
Das wollte ich sehen können.
Stadium 6: Balance
Das sechste Werk befindet sich noch in der Entwicklung und besitzt deshalb noch keinen endgültigen Titel.
Inhaltlich steht dieses Stadium für Balance.
Dabei denke ich ausdrücklich nicht an einen Zustand, in dem plötzlich alles gelöst ist.
Das wäre mir viel zu glatt.
Mich interessiert vielmehr der Moment, in dem die Last ihre bisherige Dominanz verliert.
Sie existiert weiterhin.
Aber sie bestimmt nicht mehr jede Bewegung.
Auch die Materialität soll sich entsprechend verändern. Die Struktur wird feiner. Das Gold verteilt sich anders über den Körper. Die Figur bekommt mehr Freiheit.
Nach der extremen Verdichtung des fünften Stadiums entsteht wieder Raum.
Balance bedeutet hier für mich deshalb auch nicht perfekte Ausgeglichenheit.
Sie bedeutet, verschiedene Teile der eigenen Geschichte nebeneinander existieren lassen zu können, ohne dass einer davon permanent alles andere überlagert.
Stadium 7: Transzendenz
Auch das siebte und letzte Original befindet sich noch in der Entstehung.
Der endgültige Werktitel steht noch nicht fest.
Innerhalb der Dramaturgie bildet es das Stadium der Transzendenz.
Mich interessiert dabei keine Figur, die ihre Vergangenheit hinter sich gelassen hat.
Das Gold soll weiterhin vorhanden sein.
Aber seine Struktur verändert sich grundlegend.
Aus der massiven Last der ersten Werke entwickelt sich ein wesentlich filigraneres Netz.
Verbindungen bleiben sichtbar.
Die Erfahrung bleibt sichtbar.
Nur ihre Funktion hat sich verändert.
Dieses letzte Stadium soll zugleich das größte Werk der Serie werden.
Das ergibt für mich auch kompositorisch Sinn.
Nach Enge, Druck und Verdichtung braucht der Abschluss Raum.
Nicht als spektakuläres Happy End.
Als Bewegungsfreiheit.
Warum die sieben Originale zusammengehören und trotzdem einzeln funktionieren
Eine Serie funktioniert für mich nur dann, wenn zwischen ihren Arbeiten tatsächlich eine Beziehung besteht.
Sieben ähnliche Bilder reichen mir dafür nicht.
Bei The Weight We Carry entsteht diese Verbindung durch wiederkehrende Körper, eine verwandte Farbwelt, Gold, Relief und die Entwicklung der Materialität.
Die Arbeiten reagieren aufeinander.
Wer Golden Burden kennt, wird das Gold in Fortress Of Light anders lesen.
Wer The Radiant Uprising gesehen hat, erlebt die anschließende Enge von The Chokehold Of Conformity bewusster.
Mit jedem Stadium verändert sich rückwirkend auch die Wahrnehmung der anderen.
Trotzdem muss aus meiner Sicht, ein einzelnes Werk allein bestehen können.
Eine Sammlerin, die The Mind’s Gilded Tether auswählt, kauft schließlich keinen unvollständigen siebten Teil einer Geschichte.
Sie entscheidet sich für ein eigenständiges Original mit einer konkreten Aussage.
Die Serie erweitert den Kontext.
Sie ersetzt das Werk nicht.
Genau diese Balance war mir bei der Konzeption wichtig.
Alle bereits vollendeten Originale der Serie kannst du hier gemeinsam ansehen.
Warum die Größe der Originale Teil der Aussage ist
Körper brauchen Raum.
Zumindest diese Körper.
Ich hätte The Weight We Carry nur schwer als Serie kleiner, intimer Formate entwickeln können.
Die Rücken, Nacken und Schultern sollen dem eigenen Körper der Betrachtenden gegenüberstehen.
Bei mehreren 60 × 80 cm großen Originalen entsteht bereits eine deutliche physische Präsenz. Die Figur ist groß genug, um nicht wie eine Illustration an der Wand zu wirken.
Gleichzeitig bleibt genug Distanz, damit Körper und Umgebung miteinander arbeiten.
Das geplante größere Abschlusswerk führt diese Entwicklung noch weiter.
Die Serie öffnet sich nicht nur inhaltlich.
Sie bekommt auch physisch mehr Raum.
Wie Format, Betrachtungsabstand, Licht und Platzierung die Wahrnehmung kintsugi-inspirierter Originale im Raum verändern, habe ich in „Kintsugi Statement Art im Wohnzimmer: Eine Investition in Originalkunst und Raumgefühl“ ausführlicher betrachtet.
Mixed Media verändert die Wirkung mit der Entfernung
Die Größe ist dabei nur ein Teil.
Durch Acryl,Metallicfarben, strukturgebende Materialien und Gold entstehen Oberflächen, die aus verschiedenen Distanzen unterschiedlich funktionieren.
Von weiter weg steht die Figur im Mittelpunkt.
Aus der Nähe dominiert das Material.
Genau deshalb verstehe ich diese Arbeiten als Originale mit starker Raumpräsenz.
Sie besitzen eine Oberfläche, die sich digital teilweise nur schwer übersetzen lässt.
Das Original reagiert auf Licht, Bewegung und Standort.
Und dadurch verändert sich auch die Begegnung mit ihm.
Wem diese Serie begegnen soll
Ich male The Weight We Carry nicht für eine erfundene Vorstellung von Menschen, die grundsätzlich „stark“ sind.
Sie ist geschaffen für diejenigen, die wissen, dass Stärke wesentlich komplexer ist, als man ihr auf den ersten Blick ansieht.
Menschen, die Verantwortung kennen.
Die Entscheidungen getroffen haben, für die es wenig Applaus gab.
Für all diejenigen, die wissen, wie es sich anfühlt, zu funktionieren und gleichzeitig etwas Unsichtbares mit sich herumzutragen.
Menschen, die ihre Erfahrungen weder verstecken noch zum einzigen Zentrum ihrer Identität machen wollen.
Für sie kann ein Werk dieser Serie zu einem persönlichen Anker werden.
Dafür muss das Bild nicht ihre Geschichte kennen.
Es lässt ihnen denRaum, ihre eigene darin wiederzufinden.
In privaten Sammlungen kann diese Verbindung sehr persönlich sein.
In repräsentativen Räumen entsteht eine andere Ebene. Eine Kanzlei, Praxis, Beratung, ein Hotel oder Unternehmensraum kann mit Kunst ebenfalls zeigen, welche Themen dort sichtbar sein dürfen: Verantwortung, Veränderung, Menschlichkeit, Selbstbestimmung.
Entscheidend bleibt für mich immer das Werk.
Der Raum kommt danach.
„The Weight We Carry“ und meine künstlerische Position
Ich bin Mixed-Media-Künstlerin aus dem Großraum Frankfurt und beschäftige mich in meiner Arbeit mit Transformation, Resilienz und radikaler Selbsttreue.
The Weight We Carry bündelt viele Fragen, die meine heutige Arbeit bestimmen.
Was bleibt von uns nach einer Veränderung?
Welche Erfahrungen beeinflussen unsere Identität?
Welche Lasten haben wir selbst gewählt?
Welche wurden uns übergeben?
Welche Schutzmechanismen retten uns zunächst und werden irgendwann zu eng?
Und wie treffen wir Entscheidungen, sobald äußerer Applaus keine verlässliche Orientierung mehr bietet?
Daraus entstand eine Frage, die inzwischen zu einem zentralen Satz meiner Arbeit geworden ist:
Wer bist du, wenn die Welt aufhört zu klatschen?
Für mich beginnt Selbsttreue genau dort.
Das hat nicht mit völliger Sicherheit zu tun.
Oder mit einem Leben ohne Zweifel.
Sondern damit, die eigene Geschichte zu kennen und Entscheidungen trotzdem wieder aus sich selbst heraus zu treffen.
Darum bleiben die Spuren in meinen Arbeiten sichtbar.
Fazit: Was wir tragen verändert sich
The Weight We Carry begann mit einer Last.
Mit einem Rücken.
Und schwerem Gold.
Seitdem entwickelt sich die Serie gemeinsam mit der Frage weiter, was eigentlich mit unseren Erfahrungen geschieht, wenn Zeit vergeht.
Einige bleiben schwer.
Andere werden verständlicher.
Manche Schutzmechanismen brauchen wir lange.
Andere dürfen irgendwann verschwinden oder ihre Funktion verändern.
Und manches, was wir einmal ausschließlich als Belastung erlebt haben, wird später Teil unseres Wissens darüber, wer wir sind.
Genau deshalb verschwindet das Gold innerhalb der Serie nicht.
Es verändert sich.
Von Gewicht zu Fessel.
Von Schutz zu Widerstand.
Von gesellschaftlichem Druck zu einer feineren Struktur, die Teil des Körpers geworden ist.
Die Geschichte bleibt sichtbar.
Aber sie bekommt einen anderen Platz.
Vielleicht ist das für mich die eigentliche Frage hinter The Weight We Carry:
Wie viel von dem, was wir tragen, bestimmt uns und wie viel davon können wir irgendwann selbst neu einordnen?
Die letzten beiden Werke der Serie entstehen noch.
Die Geschichte ist also noch nicht vollständig erzählt.
Und ehrlich gesagt passt genau das ziemlich gut zu ihr.
